Life Chances by Mari Mahr

Rosen getrocknet. Um Erinnerung zu klammern. Fest. U-Bahntickets aus der Fremde ins Tagebuch geklebt, Konzertkarten, ein Haar. Wie Laubblätter zwischen die Seiten eines Buches gestampft. Staub den Moment ein. Entreiß ihn den Fängen der Zeit. Pack den Koffer. Positionier das Besteck. Keine Menschen in Sicht. Sie waren dennoch da. Nur du, du kamst zu spät, einen Bruchteil Zeit zu spät.

Das Geschehene nahm seinen Lauf, irgendeinen Lauf, einen Lauf im Kreis des Lebens, schau nicht in den Lauf. Es geschah wie Geschichte immer geschieht. Einfach so und ohne dich. Der Ort ist jetzt Stillstand. Die Tat war vor dir da. Die Flucht. Atmen kann man nicht greifen, ein letztes Röcheln nicht streicheln. Sie haben Spuren hinterlassen. Lies die Fährte. Folge ihr. Sie führt nirgendwohin. Sagen die Alten im Dorf.

Mehr Bilder von Mari Mahr unter http://zonezero.com/exposiciones/fotografos/mahr/menu.html.

Ich warte, dass meine Freundin stirbt. Weil Warten mein Leben ist. Abgeschaltet werden. Warten, dass das eine Licht erlischt. Das Leben der Anderen. Worte bahnen sich ihren Weg ins Ohr, ins Hirn, ins Nirwana. Worte ohne Verstand. Allein der Glaube schüttelt mit dem Kopf. Nein. Organversagen, Intensivstation, die Lichter blinken unentzifferbare Zahlen, Geräte piepen regelmäßig im Rhythmus des Sterbens, aus deinem gelb gefärbten Körper, der nur vage an dich erinnert, du bist es dennoch, ich erkenne dich, laufen Schläuche kreuz und quer. Rote flüssige Masse erinnert an Unendlichkeit. Es ist Blut. Es fließt. Du lebst. Jemand muss alles entwirren. Die Hoffnung steht hinten in der Schlange und gähnt, die Schlange ist lang, sie ist giftig, reih dich ein. Ich sagte: NEIN. Hört mich ein Jemand? Schrei mein Herz. Frisst dich durch Blutbahnen, zersetzt Zellen, Knochen, Organe, Gedanken und Liebe. Wohin des Weges, Abart der Zerstörung? Ein dreiviertel Jahr Abgrund – es ist nicht wahr, es ist wahr, es ist nicht wahr. Die Würfel sind gefallen. Es ist wahr. Im Zwielicht erkennst du des Spukes Fratze nicht. Wir haben geflucht, schallend gelacht, dem Krebs in die Fresse. Geladen, geschossen, gekämpft und gelitten. Wir haben geschrieben, du, geliebte Gefährtin, mit dem Wort um die Wette geeifert. Deine Geschichte für immer in meine gewebt. Am Ende verloren. Rien ne va plus. Ist es das Ende? Der Himmel bricht auf. Und wenn du vom Schlachtfeld gehst, geh in Stolz und Würde, nichts weniger wäre deinem Leben gerecht. Lass sie gehen. Kann nicht. Und ein Stück von mir geht mit. Halte dir im Geiste die Hand. Nimm mich mit. Lässt mich zurück. Stein für Stein bröckelt die Wut, rieselt der Kummer die Herzkammern entlang. Mein Herz steht still und ich atme dennoch weiter. Sei leise. Hör die Nacht im Winde flattern, launisch wie ein Kind. Hör auf, schreib, nie wieder schreiben, schreib. Für sie. Nele ist tot.

Straight home

In den mitunter ironischen Selbstinszenierungen des Fotografen Gilbert Garcin scheint die gesamte Bandbreite der menschlichen Komödie angelegt zu sein. Jede seiner minimalistisch gestalteten Fotografien gleicht einem theatralischen Akt auf der obskuren Bühne des Lebens.

Ein älterer Mann mit schütterem, weißen Haar, in leicht gebückter Haltung und in einen grauen Mantel gehüllt, taucht an verschieden Orten auf. An Orten, die an der Grenze zum Realen angesiedelt und im Stil der Stummfilmästhetik ausgeleuchtet sind. Er ist von hinten zu sehen, im Profil, von vorne, alleine oder in Begleitung: Dieser unscheinbar wirkende Mann lädt ein, ihm zu folgen, sich auf rätselhafte Abenteuer einzulassen, in denen menschliche Marionetten von unsichtbarer Hand gezogen werden oder ein aus Steinquader zusammengesetzter Kopf in seine Bestandteile zerbröckelt. Zeit ist dein Schicksal, Mensch.

Work in progress

Dieser Mann ist Gilbert Garcin. Als er zu fotografieren anfängt, ist er bereits 65 Jahre alt. In seiner kurzen fotografischen Laufbahn ist er nicht nur zum Regisseur, Bühnenbauer und Fotograf seiner Inszenierungen avanciert, vielmehr gibt er auch den Hauptprotagonisten dieser Bilder. Es gibt kaum ein Foto von Garcin, auf dem Garcin nicht zu sehen ist. Stilisiert zu einer Allerweltsfigur in der Tradition eines bieder-komischen Monsieur Hulot, dessen Slapstickeinlagen sowohl Humor wie auch Gesellschaftskritik transportieren, durchläuft Garcin seine eigene Odyssee. „Hinter meinen Bildern liegen aber keine zu Ende geschriebenen Geschichten“, betont er. „Ich versuche lediglich Räume zu schaffen, in die die Betrachter ihre eigenen Vorstellungen projizieren und ihre eigenen Abenteuer erfinden kann.“ Er gibt nur die Parameter vor. Zwar erscheinen die Untertitel wie ausgelegte, helfende Fährten, können aber – sicherlich ganz im Sinne des Erfinders – noch mehr Verwirrung stiften.

Garcin montiert seine eigene Person inmitten seiner angedeuteten Geschichten. Für ihn hat die Wahl, sich selber abzulichten – im Laufe der Zeit ist seine Frau als zweite Figur hinzugestoßen – weniger narzisstische als pragmatische Gründe. So ist er unabhängig von Models und bringt durch die Erscheinung des „Mr. Everybody“ Kontinuität in seine Serien. Aber „es ist ein wenig schmerzhaft, sich ständig den Kopf abzuhacken“, schmunzelt Garcin. Womit die Erklärung gegeben wäre, warum er nicht zu altern scheint. Seit über 15 Jahren verwendet er für sein Gesicht die immer gleichen Vorlagen, die in die neuen Szenen eingefügt werden.

L'heure exquis

In La Ciotat bei Marseille, hat er sich ein kleines Atelier eingerichtet, nichts Spektakuläres, nur ein kleines Zimmer mit einem Tisch und einer Leinwand. Garcins Technik ist genauso minimalistisch gestaltet wie seine Fotografien und weit entfernt von digitaler Bildbearbeitung. Zuerst kommt die Skizze. Anschließend – für seine Nachbarn ist dies der amüsante Teil –  nimmt er eine Pose ein und fotografiert sich selber mit einer Kleinbild-Spiegelreflexkamera. Er entwickelt das Foto, so dass er ungefähr 15 cm groß erscheint und schneidet die Figur anschließend aus. Der Tisch wird zur Bühne: Sand – ein immer wieder kehrendes Element – wird ausgebreitet. Darin wird das an einem Stück Draht befestigte Bild positioniert. Auf die Leinwand werden Wolken oder ein sonstiger Hintergrund projiziert, die Szenerie wird gut ausgeleuchtet und abschließend fotografiert. Garcin weiß, wie simpel seine Vorgehensweise ist: „Viele denken, ich würde eine ausgeklügelte Technik benutzen. Dabei ist es so einfach, dass wahrscheinlich niemand außer mir so arbeitet. Vielleicht erscheint diese Einfachheit auch nicht seriös genug.“ Dabei liegen die Vorteile für ihn auf der Hand: „Da es keine Collage ist, kann ich echte Gegenstände in die Szene einfügen, so wie Steine und Matsch. Und diese Objekte werfen echte Schatten, genauso wie die ausgeschnittenen Figuren Schatten werfen.“ Der gesamte Prozess beträgt vier bis fünf Tage, wenn alles gut geht, produziert er eine Fotografie die Woche.

L'avenir n'est plus ce qu'il était

Die Diskussion, ob Garcins Bilder überhaupt in die Kategorie der klassischen Fotografie fallen, ist schon zu Beginn seiner fotografischen Karriere entbrannt. Die Antwort eines Museumsdirektors auf die ihm zugesandte Mappe lautete: „Kommen Sie wieder, wenn Sie sich dazu entschlossen haben, richtige Fotografien zu machen.“ Zum Glück war Gilbert Garcin zu diesem Zeitpunkt keine 18 mehr, wo solch eine Aussage durchaus zur Folge hätte haben können, die Kamera und seine Visionen entmutigt in die Ecke zu werfen.

In mehr Bildern von Gilbert Garcin stöbern kann man in den Fotobüchern Tout peut arriver – Anything could happen und Mr. G. , beide im Verlag Filigranes Editions erschienen, oder unter www.gilbert-garcin.com.

Eine Tasse Abenteuer, bevor das Schiff in deinem Kopf die Segel hisst, auf schwarzen Locken wellenreitet, Wale zu Gedanken werden, springen rein, springen raus, wachsen Köpfe aneinander, Meerjungfrau summt dir ein Lied, Gedanken zu Blumen. Und dann noch eine Tasse Tee.

Mehr Abenteuerbilder von Aitch Heliana unter http://aitch.carbonmade.com

"... Think if you could literally explode, if you could literally blow up but still be there after it, then you wouldn’t have to kill all the people you would like to kill. You could literally make it a catharsis by exploding. I think everybody has felt trapped in their body before. You must have felt like you just wanted to explode sometime. It is an attempt to try to communicate with another person, too. I mean, if you stab someone, that’s a connection to another person too – it is also one that is suicidal because it kills you and the act. I don’t want to go in that direction, because I don’t want to be killed. But I need to express that, so how do you express it, how do you get it out? You can’t read fucking poetry, you can’t sing a folk song, that don’t get it. You gotta take it to hell. In order to have a real catharsis for a modern audience you have to deal with modern demons. You don’t find them by looking outside, you find them by looking inside, by what’s inside of you, because what is inside of me is also inside of you, you come from the same culture that I do. They might not always be specific, but for the most part you’ve gonna be able to identify with my symbols, those that move me. I put the inner demons outside, because they are less dangerous outside. If they are inside and they are locked in there, they get repressed, they can get really dangerous and that’s why you need a valve to unload the pressure. The performance is part of it and so is the painting. Paintings are more like archeological digs in my own head. I just start anywhere and I don’t really know what a painting is gonna be. So I let it tell me what’s going on. I'll finish a piece completely and then add another one like a puzzle or like a scrawl and by the time the thing is finished, I'll find out something that was going on inside and even though the surface has been build up. I'm actually digging ..." (from the Interview with Joe Coleman by Dana Bordan & Rudolf Stoert, N.Y.C., ages ago)

Bis zum 22. Dezember 2010 findet in der Dickinson Gallery in New York die Einzelausstellung „Joe Coleman: Auto-Portrait“ statt. Zusätzlich ist Joe Colemans Houdini Portrait „The Man who walked through Walls“ im Jüdischen Museum New York in der Ausstellung „Houdini: Art and Magic“ zu sehen. Hinfliegen.

Mehr von Joe Coleman unter www.joecoleman.com

Es gibt Bilder, die schaut man an und vergisst. Vergisst sich. Taucht in Welten vergilbter Zeit ein. Nimmt den Pfad durch das Dickicht des Unbewussten. Bieg ab. Dorthin, wo Menschen aus dem Rahmen fliegen. Sie lassen Federn und offene Bücher zurück, wispern dir aus dem Raum entfleuchte Geschichten ins Ohr. Ich bin doch da. Hast du noch gedacht. Und warst schon weg. Weg in den Bildern von Maleonn.

Mehr Bilder des chinesischen Fotokünstlers Maleonn auf  http://www.maleonn.com/.

]]> http://herzschmalz.wordpress.com/2010/10/04/weg/feed/ 0 huelo © Maleonn http://herzschmalz.wordpress.com/2010/09/12/damals/ http://herzschmalz.wordpress.com/2010/09/12/damals/#comments Sun, 12 Sep 2010 20:48:25 +0000 danahiro http://herzschmalz.wordpress.com/?p=1609 ]]>

Eimer, Rosenthalerstraße, Ost-Berlin 1994

Damals ist immer wann anders. Aber damals als die Mauer fiel, blieb die Zeit stehen. Der Atem stockte. Blieb die Zeit in unseren Herzen stehen. Als die Welt nach Atem rang, zerbarsten wir über Berlin in Millionen Fragmente. Und erfanden uns neu. Wer auch immer wir vorher waren, oder nicht waren, wir waren es danach nie wieder.

Während sich die Menschheit sammelt und die Geschichte sich langsam ordnet, fallen Teile Berlins in Trance. Damals in den 90ern. Wie von Geisterhand entfesselt stampft die Stadt ihren eigenen Rhythmus. Marode Häuserfassaden, jahrzehntelang verlassene Keller werden zur Bühne für eine unkontrollierbar wütende Energie. „Reiß alles nieder, steig aus der Asche empor“ heißt das Stück. Im Schutt schicksalhafter Geschichte geben sich Kunst, Trash und Techno ein Stelldichein. Mitten auf der Straße. Dichte mein Werk. Zusammengeschusterte Galerien und Clubs sprießen wie Unkraut aus dem wiedervereinigten Boden, halb legal, oft illegal. Kleb die Landkarte zusammen. Es gibt kein Morgen danach. Ist das Gefühl. Es gibt keine Regeln, lebe es aus, atme es ein, alles ist erlaubt.

Die baskische Fotografin Eva Otaño Ugarte nimmt sich mit ihrer analogen Rollei 35 Classic dieses Zustandes an. Damals und in Schwarz-Weiß. „Ich fotografiere auch in Farbe, ziehe aber Schwarz-Weiß vor. Ich liebe diesen Hauch des Klassischen, ich liebe den Kontrast und spiele gerne mit Schwarz.“ Sie taucht inmitten der Turbulenzen auf, aber auch in den Zwischenräumen des Pulsierens, dort wo Kontraste zuhause sind.

Blai Bar, Ost-Berlin, 1994.

Ugarte ist ein Scout, schweift umher, liest die Zeichen der Stadt. Entschlüsselt mit ihrer Kamera die Stille, fängt den Glanz in den Augen ein, das Lachen im Augenblick, das natürliche Spiel des Lichtes. Indem sie auf künstliche Beleuchtung verzichtet und nur aus den vor Ort vorhandenen Lichtquellen schöpft, transportiert sie Stimmung unverfälscht weiter. Zwar wirken ihre Bilder auf den ersten Blick wie journalistische Schnappschüsse, diese entstehen jedoch durch zeitintensive Beobachtungen. Ihr Dérive führt sie immer wieder zum Eimer in die Rosenthalerstraße, zum Tacheles, zum Alexanderplatz, zum Palast der Republik. Sie erwandert die Auguststraße, Linienstraße, Kastanienallee und den Mauerpark. Tag für Tag.

Wir ziehen in den Osten der Stadt, der Osten ist wild, ist verkommen, ist schwarz-weiß. Die Romantikglocken läuten in deinem Hirn, vielleicht ist es aber auch nur das Rattern des Presslufthammers. Unter dem Grau, unter dem Schleier aus Staub, Trabi-Abgasen, Kohleöfen und Kommunismus, lugt ein verwaschenes Bunt hervor. Wir wischen den Staub von unserer Seele und tanzen den Untergrund. Dazwischen die Ruhe.

Ugarte geht es weniger darum, aus einer Erfahrung ein einzelnes konstruiertes Bild herauszuholen, als in einer Serie Menschen und Atmosphäre einzufangen. Das magische Jetzt am Rande des Bewusstseins. Der Künstler schläft im Sitzen, den Kopf in die Hand gestützt, Bilder wiegen schwer. Trabis parken auf geflickten Wegen, von tristen Mülltonnen gesäumt, die Straßen führen ins Nirgendwo. Sie pirscht sich wie der Jäger an seine Beute heran. Drückt immer im richtigen Augenblick ab. Vergessen ist eine Kunst. Sie fängt ihn ein, den verloren geglaubten Moment. Sich erinnern ist eine andere Kunst.

Keine Deutschkenntnisse und keinen Job zu haben, eröffnen Ugarte die Freiheit, sich – einer modernen Nomadin gleich – mit ihrer Kamera auf die Geschehnisse einzulassen. Den Blick auf das Fremde inmitten dieser neuen Mitte zu zelebrieren. „Die Kunstszene in Mitte bot mir die Möglichkeit, ein aufregendes Leben fernab des normalen Systems zu leben. Es war der Drang nach Abenteuern, der mich damals als Scout magisch nach Ost-Berlin gezogen hat.“ Die Fotografin wird zum Teil dessen, was sie ablichtet. Und schiebt die Distanz der Fotos zwischen die überrollenden Ereignisse. Wie eine Pause. Hol Luft.

Man fühlt die Stille in Ugartes Fotos, die Weite. Hört das befreiende Lachen verhallen. Das Dazwischen. Und ahnt den Sturm, der auf die Ruhe folgt. Auf den ersten Blick sind Ugartes Bilder einfach in ihrer Komposition, als Stillleben eines aus der Zeit gefallenen Wunschraumes zeugen sie heute von Vergänglichkeit. Doch kaum merklich bewegen sie sich auf dich zu, spucken Erinnerungsfragment auf Erinnerungsfragment aus. Dir ins Gesicht. Damals kommt und damals bleibt.

Mehr Bilder der Fotografin Eva Otaño Ugarte. Anschauen.

Solche und ähnlich düstere Assoziationen von Krieg und Gefangenschaft, Uniformität und religiösem Wahn, Isolation und Gehorsam drängen sich beim Betrachten der Fotografien von Misha Gordin auf.

Konzeptfotografie nennt der gebürtige Lette seine Inszenierungen menschlicher Köpfe und Körper, die er inmitten von Nirgendwo, in der Nähe eines Albtraumes zu modellieren scheint. Grellem Licht ausgesetzt, gleichzeitig in Dunkelheit getaucht und schließlich der Anonymität der Masse preisgegeben; Gordins Wesen sind auffallend symmetrisch in Geschichten voller Leid angesiedelt, postapokalyptisch und irgendwie real. „Die echte Kraft der Fotografie zeigt sich, wenn abweichende Realitäten als existierend empfunden werden“ bekräftigt Gordin.

Das Transkribieren persönlicher Konzepte in die Sprache der Fotografie bedeutet für den Künstler eine wochenlange, absolute Präzision erfordernde Arbeit. Das In-Szene-Setzen der jeweiligen Motive findet immer draußen bei natürlichem Licht statt. Statt Photoshop setzt Gordin auf die arbeitsaufwendigeren analogen Verfremdungstechniken wie Maskieren, Abwedeln und Negativretusche. In der Dunkelkammer legt er  die verschiedenen Negative übereinander, bis sich alles zu einem Bild zusammenfügt: „Meine Arbeit zeigt kein Erbarmen. Fehler können zwar gemacht, jedoch nicht korrigiert werden.“ Seine Menschenmassen bestehen meistens aus einem einzigen Model, zigmal dupliziert.

„Es ist, als ob ich male“ – statt eines Pinsels, nimmt er eine Kamera mit  auf seine Odyssee. Erforscht das Dasein. Und löst Grauen aus. Doch: Wenn der Mond über der Szenerie leuchtet oder ein offenes Augenpaar aus einer eintönigen Symphonie aus Grau heraus sticht, so grüßt die Hoffnung. Wenn die Kleider der wie buddhistische Mönche wirkenden Menschen im Winde wehen, dann weht auch ein Hauch von Freiheit und Erlösung daher. Gordin wehrt sich vehement gegen jedwede Interpretation – und lässt alle zu.

Misha Gordin was born in 1946. He grew up in the Russian speaking country of Latvia where the Russian culture became his root culture. He graduated from a technical college as an aviation engineer but never worked as one. Instead he joined Riga Motion Studios as an equipment designer for special effects. He started taking photographs at the age of nineteen and about a year later decided that he would be a conceptual photographer. At the age of 28, disgusted with communism, he left his country and for the United States. Mr. Gordin now continues to work while living a secluded life.

So folgt man den Protagonisten und ihrer Körpersprache, spürt ihr durch Isolation begrenztes Sein, taucht ein in Bildwelten voll schauriger Schönheit und hält Ausschau nach einem Hoffnungspfad, den Misha Gordin meistens auch auszulegen bereit ist. Und sei es nur ein Schrei, der das Schweigen zerbirst.

Mehr von Misha Gordin unter http://bsimple.com/.

Für das Dagegen sein, den Blick umkehren, woanders hinschauen, die Gardinen aufreißen, den Ausblick genießen. Antifotos auf der ANT!FOTO in Düsseldorf.

]]> http://herzschmalz.wordpress.com/2010/06/12/fur-dagegen/feed/ 0 huelo Taiyo Onorato/Nico Krebs (CH/Zürich & Berlin) http://herzschmalz.wordpress.com/2010/06/01/am-ende-der-welt-x/ http://herzschmalz.wordpress.com/2010/06/01/am-ende-der-welt-x/#comments Tue, 01 Jun 2010 19:04:56 +0000 danahiro http://herzschmalz.wordpress.com/?p=1458 ]]> Ja, einige können Natur zu Papier bringen. Würde ich auch gern können. Kann ich aber nicht. Obwohl ich gern durch Natur schreite. Wandere mein Herz. Sogar. Ich lass mir den digitalen Stecker ziehen und suche Plätze auf, an denen man nur unter fast unüberwindlichen Widrigkeiten ans Netz kommen kann. Am Ende der Welt. Nenn es Entzug. Ich suche also Natur, erhaben, fernab, menschenleer. Hoffe zu finden, was auch immer, zur Not auch mal mich. Und ahne den Misserfolg.

Das Grün des hügeligen Grünes könnte ich beschreiben, die azurblauen Wellen des verheißungsvollen Meeres. Von Zeit gewaschene Felsen, aal dich in Hitze, mittags in Sonne getränkt, der Wind richtet Brustwarzen auf, leichte Brise. Die Wolken spielen ein Stück, wehen Sorgen in mehreren Akten hinfort. Von wilden Blumen und roten Mohn könnte ich berichten, von glitzernden Steinen in feuriger Abendsonne und dem Klang des Wassers, wenn es sich im Ohr bricht. Denn all das sehe ich, höre ich. Auch. Beim Gehen. Und rieche den Duft von Salbei und Rosmarin. Es liegt in der Luft. Bereit.

Stattdessen sehe ich Leichen. Bei jedem Schritt. Bilder von abscheulich zugerichteten Körpern geistern mir durch den Kopf. Er schlug ihr den Kopf ab. Je schöner, abgeschiedener und intakter das Spiel der Natur, umso grausamer das Verbrechen. Im Kopf. Über alles wächst immer noch Gras. Phantasiert. Staunend schrecke ich jedes Mal zurück, wenn sich der Schatten, der Baum, der Stein oder die Blüte nicht als Tatort entpuppen. Vom verschmähten Liebhaber die Felsen ins rauschende Meer gestoßen, Knochen klappern gegen das Boot. Von der Tochter vergiftet und zwischen wild wuchernden Kräutern verscharrt. In Stücke geschnitten. Als Kind von der Mutter entsorgt, ein Maul mehr ging nicht zu stopfen. Der Stolz wetzt die Messer. Blühende Vorstellung, krank. Enttäuscht schau ich die Schlange an, die sich vor meinen Füßen kringelt. Sieht aus wie eine Kreuzotter. Könnte giftig sein. Aber bei weitem nicht so spannend wie das, was ich nicht sehe. Leichenschmaus.

Eigentlich bin ich erst einer Leiche in meinem Leben begegnet. Mein Großvater lag aufgebahrt, ich war sechs, er war kalt, ich war warm und er theatralisch geschminkt. Angst ist etwas anderes. Das unvorstellbar Vorstellbare ist das Grauen. Als wäre jeder Naturtrip ein Psychofilm. Teil eins bis hundert. Zuviel Krimis gelesen? Zuviel Zombologie inhaliert? Einen Massenmörder zuviel studiert? Schalt die Nachrichten ein. Die menschliche Niedertracht klopft an deine Tür.

Liege ich auf Felsen, es flimmert am Horizont, ein Augenblinzeln ist das Höchste an Bewegung, verschmierter Kajal in den Augenrändern, sehen grüne Augen türkisblau, brechen sich die Wellen, brechen  den Verstand auf, lullen dich in wattiertes Weich. Aus den Augenwinkeln sehe ich das Ungeheuer im Wasser, eindeutig tot, treibt auf mich zu. Affenhirn ist mein erster Gedanke. Ist Afrika weit? Zartrosa, fleischfarben, beige, merkwürdig aufgequollen, unten gerollt, ich kann es nicht beschreiben. Ein Embryo womöglich, die Totgeburt dem Meer überlassen, die Geschichte nimmt ihren Lauf. Es würgt in mir. Etwas. Schau dir das genauer an. Ein Stück Brot nur, deformiert, aber Brot, aufgeweicht, nur Brot. Treibt auf mich zu. Hol Luft.

Finde ich keine Leiche, stell ich mir die Leichen vor, an denen ich vorbeiflaniere, ohne sie zu entdecken. Denke mir ihre tragischen Geschichten aus, sehe in jedem einsamen Wanderer den Mörder. Begleitende Filmmusik gibt es keine, nur die nervtötenden Geräusche eines Freischneiders. Imaginiert. Und der Presslufthammer. Einer muss ja an sie denken, auch wenn sie nicht gestorben sind. Noch nicht.

Die Leiche stößt ab, der Mörder zieht an. Lass mich in deinen Kopf. Lass mich in die Unterkammern deines kranken Hirns, lass mich aufräumen. Welche Sicherungen sind warum durchgebrannt? Ein süßer Spatz nimmt den einen Brotkrummen vom Boden und fliegt zu seinen Jungen. Fütter dein Tier. Abend für Abend kommt er mich besuchen. Am Ende der Welt. Von Katzen meint er nichts zu wissen. Schicksal, ich seh dich deutlich schleichen. Am Ende der Welt gibt es „Gesammelte Leichen“.